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El Fauvismo fue un movimiento pictórico nacido en París y de escasa duración (de 1905 a 1908). Los fauvistas formaban un grupo heterogéneo integrado por Matisse, el líder del movimiento, junto a Derain, Vlaminck, Marquet y Dufy entre otros. El crítico Louis Vauxcelles les dio la despectiva denominación de fauves (fieras) cuando expusieron juntos en el Salón de Otoño de 1905.
Los pintores fauvistas tenían como objetivo «simplemente transponer sus sentimientos en forma de color», en palabras de Matisse. Aunque mantenían su individualismo, usaban un lenguaje común. Sus alegres cuadros se caracterizaban por un colorido brillante, violento y arbitrario para expresar sentimientos y producir sensaciones placenteras, por influencia de Van Gogh y Gauguin. Los colores fuertes y puros, sin matices, aplicados en toques gruesos, les servían para construir el espacio, sin apenas perspectiva. Las composiciones eran decorativas y las figuras resultaban planas, contorneadas por líneas gruesas. Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.
Henri Matisse (1869- 1954) es la figura más representativa del Fauvismo. Se educó en el estudio del simbolista Moreau y realizó muchas copias de los grandes maestros. Tras una primera etapa divisionista, inauguró el fauvismo. En su obra se advierte la influencia de Van Gogh, Gauguin, las estampas japonesas y el exotismo oriental.
La pintura de Matisse era muy alegre y hedonista, caracterizada por extensas y arbitrarias masas de color brillante y sensual (rojos, verdes, azules, rosas) y una decoración de líneas curvas y ondulantes entrelazada con vegetación (arabesco). Pintó bodegones, retratos, interiores y odaliscas. Entre sus obras destacan Lujo, calma y voluptuosidad, de su fase puntillista, Mujer con la raya verde, La alegría de vivir, La habitación roja y La danza. Ya anciano, cuando no podía pintar a causa de la artritis, hizo unos recortes de papel coloreado con gouache de formas simples (El caracol). Matisse fue también escultor de pequeños bronces en movimiento (La Espalda I-IV). Ejerció enorme influencia en pintores posteriores.
Otros conocidos pintores del Fauvismo son:
André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo. Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).
El término Expresionismo se aplica a un movimiento artístico de vanguardia que surgió en Alemania en 1905 como una reacción frente al Impresionismo y se extendió por Europa hasta bien entrado el siglo XX. Se desarrolló en todas las artes (literatura, música, cine, arquitectura, escultura). Los artistas expresionistas tendrán una visión pesimista de la vida, influidos por las ideas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben «expresionismo» –en minúsculas– como término genérico y «Expresionismo» –en mayúsculas– para el movimiento alemán.
La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de Van Gogh y las esculturas africanas.
Los precursores
Además del lejano precedente de Goya en sus pinturas negras, los precursores del movimiento fueron el noruego Edvard Munch (1863- 1944) que pintó dramáticos cuadros de formas muy distorsionadas y colores violentos con los que expresaba su angustia mental (fruto de una infancia traumática). El más conocido es El grito (1895). El belga James Ensor (1860-1949) representó máscaras de carnaval y figuras grotescas con fuerte carga crítica (La muerte y las máscaras).
El Expresionismo alemán
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).
Die Brücke (El Puente, 1905-1913)
El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana.
Los artistas más importantes fueron:
En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de espectadores.
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)
Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y Klee.
A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son:
El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial.
Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933)
Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa.
Sus principales componentes fueron:
Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte Degenerado celebrada en Munich en 1938.
Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes.
El Expresionismo francés
Francia es el otro foco importante del Expresionismo. Un precursor fue Georges Rouault (1871-1958), que estuvo vinculado primeramente al Fauvismo. Profundamente cristiano, criticó los vicios de la sociedad en sus cuadros, primero en tonos sombríos y más tarde de colores luminosos y vivos, encerrados por gruesas líneas negras, a la manera de vidrieras (El viejo rey).
El lituano Chaim Soutine (1894-1943), uno de los principales expresionistas de la llamada Escuela de París, pintó trágicos paisajes de gran violencia emocional y retratos distorsionados con gruesas pinceladas (El buey en canal, inspirada en Rembrandt, Paisaje).
También a esa escuela perteneció el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) aunque resulta un artista difícil de clasificar; su original obra no puede ser encuadrada en ningún movimiento concreto. Influido por los maestros del Renacimiento italiano y el arte primitivo, desarrolló un estilo caracterizado por el alargamiento manierista de las formas, que eran simples y contorneadas por un expresivo dibujo. Hizo retratos y sensuales desnudos femeninos (Mujer con collar, Desnudo acostado). Realizó también esculturas (Cabeza) y estuvo cercano al Cubismo.
El Expresionismo en España
Aunque en España no llegó a establecerse el movimiento expresionista como tal, como corriente artística de vanguardia asociada a las primeras décadas del siglo XX, ni tampoco se establecieron grupos artísticos expresionistas, destacaron Isidro Nonell (1873-1911), que pintó gitanas y bodegones con gran sentido del color y José Gutiérrez Solana (1886-1945) ligado a la Generación del 98, que criticó la España negra con un humor cruel, inspirado en Goya, con una oscura paleta (Carnaval, La visita del obispo, y retratos como Tertulia del Café Pombo). La pintura de Ignacio Zuloaga (1870-1945) mantuvo un carácter más tradicional en sus excelentes retratos de tipos regionales.
El Expresionismo en México
En México surgió un expresionismo original: el movimiento muralista mexicano, de raíz indigenista, cuyos representantes estaban vinculados política y socialmente con la revolución de 1910. Los artistas tenían una preocupación didáctica para hacer llegar a las masas analfabetas los presupuestos revolucionarios, a la vez que se interesaban por las innovaciones plásticas. Realizaron grandes murales al fresco en edificios públicos.
Los pintores principales fueron:
En el Expresionismo escultórico sobresalieron los alemanes Ernst Barlach (1870-1938) que, siguiendo la tradición medieval alemana, trabajó la madera en sus vigorosas figuras de formas sólidas, llenas de fuerza emocional (Hombre en el cepo) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) que, tras unas primeras obras dentro del clasicismo naturalista siguiendo a Maillol, alcanzó su propio estilo expresionista con sus figuras alargadas y dramáticas inspiradas en la escultura gótica (Mujer arrodillada, Hombre de pie).
Fuera del mundo germánico el expresionismo se extendió con rapidez por Europa. Sir Jacob Epstein (1880-1959), americano nacionalizado inglés, realizó obras monumentales muy distorsionadas (San Miguel, de la catedral de Coventry) y bustos en bronce. El italiano Marino Marini (1901-1980) trabajó en un estilo muy personal el bronce. Su tema preferido fue Caballo y jinete, figuras de trágico simbolismo.
Algunas obras de los grandes escultores del siglo XX encuadrados en otros estilos, como Gargallo, González o Giacometti, se pueden considerar expresionistas.
El Cubismo, creado por Pablo Picasso y su compañero George Braque, es uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importante del siglo XX. Surge en Francia entre 1907 y 1914 y se extiende posteriormente por todo el mundo.
El Cubismo se inició en 1907, fecha en la que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón.
Características
El Cubismo se inspira en los postulados artísticos de Seurat y de Paul Cézanne que había encontrado planos en objetos reales que había usado para establecer una estructura de la forma a través del color. Los cubistas impondrán su propia estructura de planos monocromáticos sobre el objeto con el fin de lograr una comprensión más profunda de la realidad.
El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.
Las formas simples y geométricas dominan en las composiciones- cubos, cilindros, esferas. En ello se observa la influencia de las esculturas primitivas y africanas.
Los cubistas se despreocupan del tema y del color. El color fue virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los principales temas serán bodegones, retratos, y ocasionalmente paisajes.
Etapas del Cubismo
Se distinguen dos fases en el desarrollo del Cubismo. La analítica y la sintética.
Cubismo Analítico
Es la etapa de 1910 a 1912 caracterizada por la descomposición de las figuras en múltiples planos, que muestran una estructura a menudo piramidal. Los colores son fríos y serenos, predominando los suaves tonos marrones y verdes. Los temas generalmente son músicos, instrumentos, periódicos
Cubismo Sintético
En 1912 surge el Cubismo sintético en que los pintores ya no buscaban desintegrar el objeto sino rehacerlo en su forma esencial. Las gamas de color son más ricas. Se inventó la técnica del collage- de la palabra francesa coller (pegar con cola-) al introducir en el cuadro materiales diversos (papeles, telas, cristal, arena etc.) a veces combinados con zonas pintadas.
Representantes
El principal pintor del Cubismo es Picasso, cuya extraordinaria figura merece ser estudiada en un capítulo aparte. Otros grandes pintores cubistas fueron:
El Cubismo se extendió rápidamente, descomponiéndose a partir de 1920 en una gran variedad de estilos personales, entre los que destacan Fernand Leger (1881-1955) que incorporó la maquinaria moderna en sus telas, de vivos colores y grandes formas geométricas de aspecto tubular (Los acróbatas, Los constructores) y los rusos Robert Delaunay (1885-1941) y su mujer Sonia Delaunay (1885-1983), establecidos en Paris y creadores de una variante conocida como Cubismo órfico u Orfismo. Querían dotar de movimiento a los cuadros cubistas como en Discos, de brillante color. Llegarán a la abstracción en 1912 con Formas circulares cósmicas.
El Cubismo tuvo gran difusión internacional. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tend
Características
El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.
Representantes
Muchos pintores cubistas se dedicaron también a la escultura. Entre ellos destacan: Pablo Picasso que después de hacer esculturas siguiendo modelos postrodinianos (Cabeza de arlequín) aplicó en 1909 los esquemas formales del Cubismo en su Cabeza. Realizó los primeros relieves cubistas a base de madera y cartón pintados, ensamblando diversos materiales. Después incorporó el hierro a sus esculturas para hacerlas más expresivas aunque siempre pervivieron elementos cubistas. Entre sus últimas obras sobresalen El hombre del cabrito, El Gallo y La Cabra, de 1950.
Braque hizo algunas esculturas aisladas, mostrando su interés por lo táctil y las ilusiones volumétricas. Juan Gris modeló un encantador Arlequín en yeso, que luego pintó, de planos y volúmenes entrecruzados. Amadeo Modigliani fue también un magnífico escultor cercano al Cubismo. Aprendió a tallar con Brancusi y estaba fascinado por el arte africano. Se introdujo en el análisis espacial cubista.
Entre los grandes escultores cubistas destacan:
En la escultura en hierro descollaron dos artistas españoles, Gargallo y González.
El Futurismo es un movimiento artístico de vanguardia iniciado en Italia, coetáneo del Cubismo. Se extiende brevemente desde 1910 hasta 1916. Tuvo un origen literario, en torno a la figura del poeta Marinetti, quien publicó en 1909 el explosivo Manifiesto Futurista en el que exaltaba el progreso, la máquina, la velocidad y denigraba la tradición clásica abogando por la destrucción de las academias y museos. Un año después se hizo el Manifiesto de los Pintores Futuristas (Boccioni, Balla, Carrá, y Severini, entre otros).
Los artistas futuristas defendían un arte nuevo, anticlásico, que rompiera con el pasado y respondiera al dinamismo de la sociedad tecnificada contemporánea. Sus ideas revolucionarias no se limitaban al arte, sino que querían transformar la vida entera. Su gusto por la violencia les acercó posteriormente al fascismo.
Los pintores futuristas querían captar el movimiento de forma simultánea, mediante la repetición y secuenciación de las posiciones de un mismo objeto, por influencia de la fotografía y el cine. Usaron la técnica puntillista y más tarde la cubista, multiplicando las líneas y colores vibrantes para conseguir dar impresión de dinamismo.
Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato y wikipedia
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El Fauvismo fue un movimiento pictórico nacido en París y de escasa duración (de 1905 a 1908). Los fauvistas formaban un grupo heterogéneo integrado por Matisse, el líder del movimiento, junto a Derain, Vlaminck, Marquet y Dufy entre otros. El crítico Louis Vauxcelles les dio la despectiva denominación de fauves (fieras) cuando expusieron juntos en el Salón de Otoño de 1905.
Los pintores fauvistas tenían como objetivo «simplemente transponer sus sentimientos en forma de color», en palabras de Matisse. Aunque mantenían su individualismo, usaban un lenguaje común. Sus alegres cuadros se caracterizaban por un colorido brillante, violento y arbitrario para expresar sentimientos y producir sensaciones placenteras, por influencia de Van Gogh y Gauguin. Los colores fuertes y puros, sin matices, aplicados en toques gruesos, les servían para construir el espacio, sin apenas perspectiva. Las composiciones eran decorativas y las figuras resultaban planas, contorneadas por líneas gruesas. Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.
Henri Matisse (1869- 1954) es la figura más representativa del Fauvismo. Se educó en el estudio del simbolista Moreau y realizó muchas copias de los grandes maestros. Tras una primera etapa divisionista, inauguró el fauvismo. En su obra se advierte la influencia de Van Gogh, Gauguin, las estampas japonesas y el exotismo oriental.
La pintura de Matisse era muy alegre y hedonista, caracterizada por extensas y arbitrarias masas de color brillante y sensual (rojos, verdes, azules, rosas) y una decoración de líneas curvas y ondulantes entrelazada con vegetación (arabesco). Pintó bodegones, retratos, interiores y odaliscas. Entre sus obras destacan Lujo, calma y voluptuosidad, de su fase puntillista, Mujer con la raya verde, La alegría de vivir, La habitación roja y La danza. Ya anciano, cuando no podía pintar a causa de la artritis, hizo unos recortes de papel coloreado con gouache de formas simples (El caracol). Matisse fue también escultor de pequeños bronces en movimiento (La Espalda I-IV). Ejerció enorme influencia en pintores posteriores.
Otros conocidos pintores del Fauvismo son:
André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo. Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).
El término Expresionismo se aplica a un movimiento artístico de vanguardia que surgió en Alemania en 1905 como una reacción frente al Impresionismo y se extendió por Europa hasta bien entrado el siglo XX. Se desarrolló en todas las artes (literatura, música, cine, arquitectura, escultura). Los artistas expresionistas tendrán una visión pesimista de la vida, influidos por las ideas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben «expresionismo» –en minúsculas– como término genérico y «Expresionismo» –en mayúsculas– para el movimiento alemán.
La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de Van Gogh y las esculturas africanas.
Los precursores
Además del lejano precedente de Goya en sus pinturas negras, los precursores del movimiento fueron el noruego Edvard Munch (1863- 1944) que pintó dramáticos cuadros de formas muy distorsionadas y colores violentos con los que expresaba su angustia mental (fruto de una infancia traumática). El más conocido es El grito (1895). El belga James Ensor (1860-1949) representó máscaras de carnaval y figuras grotescas con fuerte carga crítica (La muerte y las máscaras).
El Expresionismo alemán
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).
Die Brücke (El Puente, 1905-1913)
El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana.
Los artistas más importantes fueron:
En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de espectadores.
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)
Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y Klee.
A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son:
El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial.
Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933)
Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa.
Sus principales componentes fueron:
Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte Degenerado celebrada en Munich en 1938.
Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes.
El Expresionismo francés
Francia es el otro foco importante del Expresionismo. Un precursor fue Georges Rouault (1871-1958), que estuvo vinculado primeramente al Fauvismo. Profundamente cristiano, criticó los vicios de la sociedad en sus cuadros, primero en tonos sombríos y más tarde de colores luminosos y vivos, encerrados por gruesas líneas negras, a la manera de vidrieras (El viejo rey).
El lituano Chaim Soutine (1894-1943), uno de los principales expresionistas de la llamada Escuela de París, pintó trágicos paisajes de gran violencia emocional y retratos distorsionados con gruesas pinceladas (El buey en canal, inspirada en Rembrandt, Paisaje).
También a esa escuela perteneció el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) aunque resulta un artista difícil de clasificar; su original obra no puede ser encuadrada en ningún movimiento concreto. Influido por los maestros del Renacimiento italiano y el arte primitivo, desarrolló un estilo caracterizado por el alargamiento manierista de las formas, que eran simples y contorneadas por un expresivo dibujo. Hizo retratos y sensuales desnudos femeninos (Mujer con collar, Desnudo acostado). Realizó también esculturas (Cabeza) y estuvo cercano al Cubismo.
El Expresionismo en España
Aunque en España no llegó a establecerse el movimiento expresionista como tal, como corriente artística de vanguardia asociada a las primeras décadas del siglo XX, ni tampoco se establecieron grupos artísticos expresionistas, destacaron Isidro Nonell (1873-1911), que pintó gitanas y bodegones con gran sentido del color y José Gutiérrez Solana (1886-1945) ligado a la Generación del 98, que criticó la España negra con un humor cruel, inspirado en Goya, con una oscura paleta (Carnaval, La visita del obispo, y retratos como Tertulia del Café Pombo). La pintura de Ignacio Zuloaga (1870-1945) mantuvo un carácter más tradicional en sus excelentes retratos de tipos regionales.
El Expresionismo en México
En México surgió un expresionismo original: el movimiento muralista mexicano, de raíz indigenista, cuyos representantes estaban vinculados política y socialmente con la revolución de 1910. Los artistas tenían una preocupación didáctica para hacer llegar a las masas analfabetas los presupuestos revolucionarios, a la vez que se interesaban por las innovaciones plásticas. Realizaron grandes murales al fresco en edificios públicos.
Los pintores principales fueron:
En el Expresionismo escultórico sobresalieron los alemanes Ernst Barlach (1870-1938) que, siguiendo la tradición medieval alemana, trabajó la madera en sus vigorosas figuras de formas sólidas, llenas de fuerza emocional (Hombre en el cepo) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) que, tras unas primeras obras dentro del clasicismo naturalista siguiendo a Maillol, alcanzó su propio estilo expresionista con sus figuras alargadas y dramáticas inspiradas en la escultura gótica (Mujer arrodillada, Hombre de pie).
Fuera del mundo germánico el expresionismo se extendió con rapidez por Europa. Sir Jacob Epstein (1880-1959), americano nacionalizado inglés, realizó obras monumentales muy distorsionadas (San Miguel, de la catedral de Coventry) y bustos en bronce. El italiano Marino Marini (1901-1980) trabajó en un estilo muy personal el bronce. Su tema preferido fue Caballo y jinete, figuras de trágico simbolismo.
Algunas obras de los grandes escultores del siglo XX encuadrados en otros estilos, como Gargallo, González o Giacometti, se pueden considerar expresionistas.
El Cubismo, creado por Pablo Picasso y su compañero George Braque, es uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importante del siglo XX. Surge en Francia entre 1907 y 1914 y se extiende posteriormente por todo el mundo.
El Cubismo se inició en 1907, fecha en la que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón.
Características
El Cubismo se inspira en los postulados artísticos de Seurat y de Paul Cézanne que había encontrado planos en objetos reales que había usado para establecer una estructura de la forma a través del color. Los cubistas impondrán su propia estructura de planos monocromáticos sobre el objeto con el fin de lograr una comprensión más profunda de la realidad.
El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.
Las formas simples y geométricas dominan en las composiciones- cubos, cilindros, esferas. En ello se observa la influencia de las esculturas primitivas y africanas.
Los cubistas se despreocupan del tema y del color. El color fue virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los principales temas serán bodegones, retratos, y ocasionalmente paisajes.
Etapas del Cubismo
Se distinguen dos fases en el desarrollo del Cubismo. La analítica y la sintética.
Cubismo Analítico
Es la etapa de 1910 a 1912 caracterizada por la descomposición de las figuras en múltiples planos, que muestran una estructura a menudo piramidal. Los colores son fríos y serenos, predominando los suaves tonos marrones y verdes. Los temas generalmente son músicos, instrumentos, periódicos
Cubismo Sintético
En 1912 surge el Cubismo sintético en que los pintores ya no buscaban desintegrar el objeto sino rehacerlo en su forma esencial. Las gamas de color son más ricas. Se inventó la técnica del collage- de la palabra francesa coller (pegar con cola)- al introducir en el cuadro materiales diversos (papeles, telas, cristal, arena etc.) a veces combinados con zonas pintadas.
Representantes
El principal pintor del Cubismo es Picasso, cuya extraordinaria figura merece ser estudiada en un capítulo aparte. Otros grandes pintores cubistas fueron:
El Cubismo se extendió rápidamente, descomponiéndose a partir de 1920 en una gran variedad de estilos personales, entre los que destacan Fernand Leger (1881-1955) que incorporó la maquinaria moderna en sus telas, de vivos colores y grandes formas geométricas de aspecto tubular (Los acróbatas, Los constructores) y los rusos Robert Delaunay (1885-1941) y su mujer Sonia Delaunay (1885-1983), establecidos en Paris y creadores de una variante conocida como Cubismo órfico u Orfismo. Querían dotar de movimiento a los cuadros cubistas como en Discos, de brillante color. Llegarán a la abstracción en 1912 con Formas circulares cósmicas.
El Cubismo tuvo gran difusión internacional. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tend
Características
El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.
Representantes
Muchos pintores cubistas se dedicaron también a la escultura. Entre ellos destacan: Pablo Picasso que después de hacer esculturas siguiendo modelos postrodinianos (Cabeza de arlequín) aplicó en 1909 los esquemas formales del Cubismo en su Cabeza. Realizó los primeros relieves cubistas a base de madera y cartón pintados, ensamblando diversos materiales. Después incorporó el hierro a sus esculturas para hacerlas más expresivas aunque siempre pervivieron elementos cubistas. Entre sus últimas obras sobresalen El hombre del cabrito, El Gallo y La Cabra, de 1950.
Braque hizo algunas esculturas aisladas, mostrando su interés por lo táctil y las ilusiones volumétricas. Juan Gris modeló un encantador Arlequín en yeso, que luego pintó, de planos y volúmenes entrecruzados. Amadeo Modigliani fue también un magnífico escultor cercano al Cubismo. Aprendió a tallar con Brancusi y estaba fascinado por el arte africano. Se introdujo en el análisis espacial cubista.
Entre los grandes escultores cubistas destacan:
En la escultura en hierro descollaron dos artistas españoles, Gargallo y González.
El Futurismo es un movimiento artístico de vanguardia iniciado en Italia, coetáneo del Cubismo. Se extiende brevemente desde 1910 hasta 1916. Tuvo un origen literario, en torno a la figura del poeta Marinetti, quien publicó en 1909 el explosivo Manifiesto Futurista en el que exaltaba el progreso, la máquina, la velocidad y denigraba la tradición clásica abogando por la destrucción de las academias y museos. Un año después se hizo el Manifiesto de los Pintores Futuristas (Boccioni, Balla, Carrá, y Severini, entre otros).
Los artistas futuristas defendían un arte nuevo, anticlásico, que rompiera con el pasado y respondiera al dinamismo de la sociedad tecnificada contemporánea. Sus ideas revolucionarias no se limitaban al arte, sino que querían transformar la vida entera. Su gusto por la violencia les acercó posteriormente al fascismo.
Los pintores futuristas querían captar el movimiento de forma simultánea, mediante la repetición y secuenciación de las posiciones de un mismo objeto, por influencia de la fotografía y el cine. Usaron la técnica puntillista y más tarde la cubista, multiplicando las líneas y colores vibrantes para conseguir dar impresión de dinamismo.
Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato y wikipedia
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