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Lecciones de didactalia

Artes figurativas de principios del siglo XX (I)

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Información curricular

Nivel: 17-18 años Asignatura: Historia del Arte
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Contenido

Fauvismo

El Fauvismo fue un movimiento pictórico nacido en París y de escasa duración (de 1905 a 1908). Los fauvistas formaban un grupo heterogéneo integrado por Matisse, el líder del movimiento, junto a Derain, Vlaminck, Marquet y Dufy entre otros. El crítico Louis Vauxcelles les dio la despectiva denominación de fauves (fieras) cuando expusieron juntos en el Salón de Otoño de 1905.

Características generales

Los pintores fauvistas tenían como objetivo «simplemente transponer sus sentimientos en forma de color», en palabras de Matisse. Aunque mantenían su individualismo, usaban un lenguaje común. Sus alegres cuadros se caracterizaban por un colorido brillante, violento y arbitrario para expresar sentimientos y producir sensaciones placenteras, por influencia de Van Gogh y Gauguin. Los colores fuertes y puros, sin matices, aplicados en toques gruesos, les servían para construir el espacio, sin apenas perspectiva. Las composiciones eran decorativas y las figuras resultaban planas, contorneadas por líneas gruesas. Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.

Representantes

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Femme au chapeau de Matisse

Henri Matisse (1869- 1954) es la figura más representativa del Fauvismo. Se educó en el estudio del simbolista Moreau y realizó muchas copias de los grandes maestros. Tras una primera etapa divisionista, inauguró el fauvismo. En su obra se advierte la influencia de Van Gogh, Gauguin, las estampas japonesas y el exotismo oriental.

La pintura de Matisse era muy alegre y hedonista, caracterizada por extensas y arbitrarias masas de color brillante y sensual (rojos, verdes, azules, rosas) y una decoración de líneas curvas y ondulantes entrelazada con vegetación (arabesco). Pintó bodegones, retratos, interiores y odaliscas. Entre sus obras destacan Lujo, calma y voluptuosidad, de su fase puntillista, Mujer con la raya verde, La alegría de vivir, La habitación roja y La danza. Ya anciano, cuando no podía pintar a causa de la artritis, hizo unos recortes de papel coloreado con gouache de formas simples (El caracol). Matisse fue también escultor de pequeños bronces en movimiento (La Espalda I-IV). Ejerció enorme influencia en pintores posteriores.

Otros conocidos pintores del Fauvismo son:

André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo. Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).

Expresionismo

El término Expresionismo se aplica a un movimiento artístico de vanguardia que surgió en Alemania en 1905 como una reacción frente al Impresionismo y se extendió por Europa hasta bien entrado el siglo XX. Se desarrolló en todas las artes (literatura, música, cine, arquitectura, escultura). Los artistas expresionistas tendrán una visión pesimista de la vida, influidos por las ideas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben «expresionismo» –en minúsculas– como término genérico y «Expresionismo» –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

La pintura expresionista

El grito de Edvard Munch

La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de Van Gogh y las esculturas africanas.

Los precursores

Además del lejano precedente de Goya en sus pinturas negras, los precursores del movimiento fueron el noruego Edvard Munch (1863- 1944) que pintó dramáticos cuadros de formas muy distorsionadas y colores violentos con los que expresaba su angustia mental (fruto de una infancia traumática). El más conocido es El grito (1895). El belga James Ensor (1860-1949) representó máscaras de carnaval y figuras grotescas con fuerte carga crítica (La muerte y las máscaras).

El Expresionismo alemán

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).

 

Die Brücke (El Puente, 1905-1913)

El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana.

Los artistas más importantes fueron:

  • Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) considerado el jefe del grupo. Le encantaba el arte primitivo. Sus temas preferidos eran escenas callejeras con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy contrastados y líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia de la sociedad contemporánea (Cinco mujeres en la calle).
  • Emil Nolde (1867-1949) fue el más destacado del grupo aunque estuvo en él poco tiempo. Logró un estilo propio caracterizado por el brillante e intenso colorido y unas figuras salvajes y grotescas para expresar violentos sentimientos en sus cuadros religiosos (Danza en torno al becerro de oro, Susana y los viejos).
  • Karl Schmidt-Rottluff (n.1884), que pintaba monumentales paisajes con desnudos usando colores chillones sin matizaciones.

En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de espectadores.

Caballos azules de Franz Marc

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)

Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y Klee.

A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son:

  • El ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) tenía un estilo espiritual en el que se mezclaban los rasgos expresionistas con los del arte popular ruso. Buscaba expresar sus sentimientos a través de llamativos contrastes de color, sin preocuparse del tema (Improvisación, El Jinete Azul). Tras eliminar el elemento figurativo de sus telas, llegó a la abstracción pura en 1910.
  • Franz Marc (1880-1916) quería expresar a través de sus lienzos el misticismo de la naturaleza. Empleó un brillante colorido simbólico —especialmente el azul— y formas simplificadas en sus poéticas pinturas de animales (El sueño, Caballos azules, Ciervo en el bosque).
  • El suizo Paul Klee (1879-1940) perteneció al Jinete Azul poco tiempo evolucionando también a la abstracción. Fue profesor de la Bauhaus como Kandinsky. De una gran imaginación y destreza técnica, su estilo resulta inconfundible. Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves tonalidades y con trazos infantiles, en las que mostraba su realidad interior (Ad Parnasum, Senecio) aunque en sus últimos años su pintura se vuelve más amarga y oscura.

El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial.


Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933)

Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa.

Sus principales componentes fueron:

  • Georg Grosz (1893-1959) famoso caricaturista que en su obra satirizaba a los diversos estamentos sociales, especialmente a los militares.
  • Otto Dix (1891-1969) que representó de forma realista los males de la sociedad.
  • Max Beckmann (1884-1950) autor de retratos y atormentados trípticos de un realismo descarnado, llenos de figuras angulosas bordeadas de contornos negros (La Partida, La gallina ciega).

 

Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte Degenerado celebrada en Munich en 1938.

Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes.

El Expresionismo francés

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El viejo Rey de Charles Rouault

Francia es el otro foco importante del Expresionismo. Un precursor fue Georges Rouault (1871-1958), que estuvo vinculado primeramente al Fauvismo. Profundamente cristiano, criticó los vicios de la sociedad en sus cuadros, primero en tonos sombríos y más tarde de colores luminosos y vivos, encerrados por gruesas líneas negras, a la manera de vidrieras (El viejo rey).

El lituano Chaim Soutine (1894-1943), uno de los principales expresionistas de la llamada Escuela de París, pintó trágicos paisajes de gran violencia emocional y retratos distorsionados con gruesas pinceladas (El buey en canal, inspirada en Rembrandt, Paisaje).

También a esa escuela perteneció el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) aunque resulta un artista difícil de clasificar; su original obra no puede ser encuadrada en ningún movimiento concreto. Influido por los maestros del Renacimiento italiano y el arte primitivo, desarrolló un estilo caracterizado por el alargamiento manierista de las formas, que eran simples y contorneadas por un expresivo dibujo. Hizo retratos y sensuales desnudos femeninos (Mujer con collar, Desnudo acostado). Realizó también esculturas (Cabeza) y estuvo cercano al Cubismo.

El Expresionismo en España

Aunque en España no llegó a establecerse el movimiento expresionista como tal, como corriente artística de vanguardia asociada a las primeras décadas del siglo XX, ni tampoco se establecieron grupos artísticos expresionistas, destacaron Isidro Nonell (1873-1911), que pintó gitanas y bodegones con gran sentido del color y José Gutiérrez Solana (1886-1945) ligado a la Generación del 98, que criticó la España negra con un humor cruel, inspirado en Goya, con una oscura paleta (Carnaval, La visita del obispo, y retratos como Tertulia del Café Pombo). La pintura de Ignacio Zuloaga (1870-1945) mantuvo un carácter más tradicional en sus excelentes retratos de tipos regionales.

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Las dos Fridas de Frida Kahlo

El Expresionismo en México

En México surgió un expresionismo original: el movimiento muralista mexicano, de raíz indigenista, cuyos representantes estaban vinculados política y socialmente con la revolución de 1910. Los artistas tenían una preocupación didáctica para hacer llegar a las masas analfabetas los presupuestos revolucionarios, a la vez que se interesaban por las innovaciones plásticas. Realizaron grandes murales al fresco en edificios públicos.

Los pintores principales fueron:

  • José Clemente Orozco (1883-1949) realizó primero litografías, inspiradas en el arte azteca, y numerosos murales en México y Nueva York con gran virtuosismo y mensaje simbólico.
  • Diego Rivera (1886 – 1957) se interesó por el cubismo y luego por el arte maya y azteca. Pintó grandes composiciones murales sobre la historia del pueblo mexicano (Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de México) con un primitivismo realista de colores vivos.
  • David Alfaro Siqueiros (1896-1974) completa el trío de muralistas con sus audaces composiciones de rico colorido.
  • Un estilo muy personal y simbólico es el de la pintora Frida Khalo (1907-1954), esposa de Rivera. Gravemente enferma tras un accidente de coche, su pintura expresaba su angustia interior. Son famosos sus Autorretratos.

La escultura expresionista

En el Expresionismo escultórico sobresalieron los alemanes Ernst Barlach (1870-1938) que, siguiendo la tradición medieval alemana, trabajó la madera en sus vigorosas figuras de formas sólidas, llenas de fuerza emocional (Hombre en el cepo) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) que, tras unas primeras obras dentro del clasicismo naturalista siguiendo a Maillol, alcanzó su propio estilo expresionista con sus figuras alargadas y dramáticas inspiradas en la escultura gótica (Mujer arrodillada, Hombre de pie).

Fuera del mundo germánico el expresionismo se extendió con rapidez por Europa. Sir Jacob Epstein (1880-1959), americano nacionalizado inglés, realizó obras monumentales muy distorsionadas (San Miguel, de la catedral de Coventry) y bustos en bronce. El italiano Marino Marini (1901-1980) trabajó en un estilo muy personal el bronce. Su tema preferido fue Caballo y jinete, figuras de trágico simbolismo.

Algunas obras de los grandes escultores del siglo XX encuadrados en otros estilos, como Gargallo, González o Giacometti, se pueden considerar expresionistas.

Cubismo

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Las señoritas de Aviñón de Picasso

El Cubismo, creado por Pablo Picasso y su compañero George Braque, es uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importante del siglo XX. Surge en Francia entre 1907 y 1914 y se extiende posteriormente por todo el mundo.

La pintura cubista

El Cubismo se inició en 1907, fecha en la que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón.

Características

El Cubismo se inspira en los postulados artísticos de Seurat y de Paul Cézanne que había encontrado planos en objetos reales que había usado para establecer una estructura de la forma a través del color. Los cubistas impondrán su propia estructura de planos monocromáticos sobre el objeto con el fin de lograr una comprensión más profunda de la realidad.

El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.

Las formas simples y geométricas dominan en las composiciones- cubos, cilindros, esferas. En ello se observa la influencia de las esculturas primitivas y africanas.

Los cubistas se despreocupan del tema y del color. El color fue virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los principales temas serán bodegones, retratos, y ocasionalmente paisajes.

Etapas del Cubismo

Retrato de Picasso por Juan Gris

Se distinguen dos fases en el desarrollo del Cubismo. La analítica y la sintética.

Cubismo Analítico

Es la etapa de 1910 a 1912 caracterizada por la descomposición de las figuras en múltiples planos, que muestran una estructura a menudo piramidal. Los colores son fríos y serenos, predominando los suaves tonos marrones y verdes. Los temas generalmente son músicos, instrumentos, periódicos

Cubismo Sintético

En 1912 surge el Cubismo sintético en que los pintores ya no buscaban desintegrar el objeto sino rehacerlo en su forma esencial. Las gamas de color son más ricas. Se inventó la técnica del collage- de la palabra francesa coller (pegar con cola-) al introducir en el cuadro materiales diversos (papeles, telas, cristal, arena etc.) a veces combinados con zonas pintadas.

Representantes

El principal pintor del Cubismo es Picasso, cuya extraordinaria figura merece ser estudiada en un capítulo aparte. Otros grandes pintores cubistas fueron:

  • Georges Braque (1882-1963) es junto a Picasso es el otro creador del cubismo. Su pintura era muy similar a la del malagueño como se ve en La portuguesa (1911). Pintó paisajes (L' Éstaque) y muchos bodegones con instrumentos musicales guitarra, el violín o la mandolina El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo. En Naturaleza muerta con naipes reduce el color a grises y ocres y descompone las formas. También introducirá en sus pinturas los collages.
  • El español Juan Gris (1887-1927) se mantuvo fiel al cubismo sintético y coloreado. Estaba interesado por la estructura rigurosa de sus composiciones, muy simplificadas. Pintó muchos bodegones con botellas, fruteros, periódicos, pipas, e instrumentos musicales, que se identifican con facilidad. En su paleta predominan los grises, ocres y verdes. Ejemplos: Naturaleza muerta sobre una silla, Violín y guitarra y Guitarra delante el Mar (1925)
  • La pintora española María G. Blanchard (1881-1932) instalada en París desde 1909, se vinculó al Cubismo debido a su amistad con Juan Gris. Su pintura se caracteriza por un uso muy personal del color (Naturaleza muerta cubista). Más tarde evoluciona hacia la figuración, con personajes melancólicos y tiernos, generalmente niños (Madre e hijo, Maternidad).

El Cubismo se extendió rápidamente, descomponiéndose a partir de 1920 en una gran variedad de estilos personales, entre los que destacan Fernand Leger (1881-1955) que incorporó la maquinaria moderna en sus telas, de vivos colores y grandes formas geométricas de aspecto tubular (Los acróbatas, Los constructores) y los rusos Robert Delaunay (1885-1941) y su mujer Sonia Delaunay (1885-1983), establecidos en Paris y creadores de una variante conocida como Cubismo órfico u Orfismo. Querían dotar de movimiento a los cuadros cubistas como en Discos, de brillante color. Llegarán a la abstracción en 1912 con Formas circulares cósmicas.

El Cubismo tuvo gran difusión internacional. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tend

La escultura cubista

Mujer peinándose de Archipenko

Características

El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.

Representantes

Muchos pintores cubistas se dedicaron también a la escultura. Entre ellos destacan: Pablo Picasso que después de hacer esculturas siguiendo modelos postrodinianos (Cabeza de arlequín) aplicó en 1909 los esquemas formales del Cubismo en su Cabeza. Realizó los primeros relieves cubistas a base de madera y cartón pintados, ensamblando diversos materiales. Después incorporó el hierro a sus esculturas para hacerlas más expresivas aunque siempre pervivieron elementos cubistas. Entre sus últimas obras sobresalen El hombre del cabrito, El Gallo y La Cabra, de 1950.

Braque hizo algunas esculturas aisladas, mostrando su interés por lo táctil y las ilusiones volumétricas. Juan Gris modeló un encantador Arlequín en yeso, que luego pintó, de planos y volúmenes entrecruzados. Amadeo Modigliani fue también un magnífico escultor cercano al Cubismo. Aprendió a tallar con Brancusi y estaba fascinado por el arte africano. Se introdujo en el análisis espacial cubista.

Entre los grandes escultores cubistas destacan:

  • El ucraniano Alexander Archipenko (1887-1964) fue un escultor muy original. En 1908 se trasladó a París donde entró en contacto la vanguardia artística y tuvo su propia escuela de arte en 1912. Sus esculturas, a menudo pintadas, estaban fragmentadas en volúmenes simples y geométricos y por primera vez los huecos o espacios vacíos formaban parte de ellas (Mujer peinándose, Gondolero). Utilizaba materiales diversos. Ensamblando piezas realizó en 1914 “esculto-pinturas”. Ejerció una gran influencia en EEUU, país al que emigró en 1923.
  • El lituano Jacques Lipchitz (1891- 1973) se instaló en París en 1909 y en 1914 se unió al cubismo (Marinero con guitarra) construyendo con chapas y jugando con líneas de gran pureza, quebradas y diagonales. Más tarde comenzó a experimentar con formas más abstractas (Mujer recostada con guitarra). Paulatinamente su escultura se hizo más monumental y primitiva. En 1941 se instaló en Nueva York; su monumental Paz en la Tierra es de 1967-1969.
  • Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) formó parte del grupo cubista francés la Section d ´Or. Se interesó por la abstracción y por el movimiento de la figura, jugando con el lleno y el vacío. Su obra más conocida es El caballo.
  • Henri Laurens (1885-1954) transpuso la pintura del cubismo sintético al espacio en tres dimensiones, elaborando piezas policromadas ensambladas en madera y metal y esculturas exentas de piedra con formas geométricas muy simplificadas y estilizadas, con un estilo lleno de sencillez, serenidad y gracia. Su tema preferido era la mujer (Mujer con guitarra, Mujer del abanico).

En la escultura en hierro descollaron dos artistas españoles, Gargallo y González.

  • Pablo Gargallo (1881-1934). Su padre era herrero y aprendió la técnica de la forja. Sus primeras obras pertenecen al Modernismo. En 1903 marchó a París donde conoció a Picasso y asimiló los postulados estéticos del Cubismo. Gargallo utilizaba las chapas metálicas recortadas, jugando con las formas para sugerir volúmenes y exaltar los vacíos, que daban lugar a contrastes de luz. Se interesaba también por el movimiento. Entre sus obras destacan Danzarina, Máscara de Kiki, retratos de Picasso y de Greta Garbo y la extraordinaria El Profeta de 1933, obra de hierro que presenta rasgos del Expresionismo por su dramatismo.
  • Julio González (1876- 1942) realizó pequeñas obras de orfebrería modernistas en el taller de su padre. En 1900 se trasladó a París y a partir de 1927 sólo se dedicó a la escultura en hierro con tendencias cubistas. Utilizaba las técnicas de la forja, el repujado, las chapas recortadas y la soldadura autógena. En la década de los 30 irá abandonando sus referencias a la figura humana (Mujer peinándose) y caminando hacia la abstracción (Maternidad, Hombre cactus) volviendo en ocasiones a la figuración naturalista como en su dramática y expresiva Montserrat realizada en planchas de hierro para la Exposición Internacional de París de 1937.
Los aurigas olímpicos de Pablo Gargallo

Futurismo

El Futurismo es un movimiento artístico de vanguardia iniciado en Italia, coetáneo del Cubismo. Se extiende brevemente desde 1910 hasta 1916. Tuvo un origen literario, en torno a la figura del poeta Marinetti, quien publicó en 1909 el explosivo Manifiesto Futurista en el que exaltaba el progreso, la máquina, la velocidad y denigraba la tradición clásica abogando por la destrucción de las academias y museos. Un año después se hizo el Manifiesto de los Pintores Futuristas (Boccioni, Balla, Carrá, y Severini, entre otros).

Características

Dinamismo de un ciclista de Boccioni

Los artistas futuristas defendían un arte nuevo, anticlásico, que rompiera con el pasado y respondiera al dinamismo de la sociedad tecnificada contemporánea. Sus ideas revolucionarias no se limitaban al arte, sino que querían transformar la vida entera. Su gusto por la violencia les acercó posteriormente al fascismo.

Los pintores futuristas querían captar el movimiento de forma simultánea, mediante la repetición y secuenciación de las posiciones de un mismo objeto, por influencia de la fotografía y el cine. Usaron la técnica puntillista y más tarde la cubista, multiplicando las líneas y colores vibrantes para conseguir dar impresión de dinamismo.

Representantes

  • Umberto Boccioni (1882-1916) es el pintor y escultor más dotado del grupo. Quería hacer una pintura capaz de expresar emociones y representar de forma sintética el movimiento y el tiempo, usando a veces la pincelada puntillista y otras la estructura formal del Cubismo, como en Dinamismo de un ciclista. Es el mejor representante de la escultura futurista. Su obra más importante es la célebre Forma única de continuidad en el espacio, una figura masculina representada en imágenes superpuestas llena de movimiento y dinamismo. Realizó también piezas construidas combinando diversos materiales (madera, hierro, vidrio, etc.)
  • Giacomo Balla (1871-1958) analizó los aspectos ópticos del movimiento. En su cuadro Dinamismo de un perro con correa, logra dar sensación de movimiento gracias a la multiplicación de las patas y la repetición de las curvas de la correa del perro. Realizó estudios sobre la luz y el color en sus Compenetraciones Iridiscentes. También hizo construcciones escultóricas en maderas de vivos colores.
  • Carlo Carrá (1881-1966) en su famoso cuadro Funeral del anarquista Galli representó una multitud de imágenes simultáneas fragmentadas en planos, con gran sensación de movimiento y vivo colorido. En 1916 derivó hacia la pintura metafísica.
  • Gino Severini (1883-1966) es el más decorativo de los futuristas. En sus telas trató de reconciliar el Cubismo y el Futurismo, mezclando las múltiples perspectivas de los cubistas con el dinamismo el movimiento futuristas, explorando también el color. (Bailarina en azul, Bal Tabarin)

Créditos

Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato y wikipedia

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Imagen:

  • De Vasili Kandinski, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37619232
  • By Henri Matisse - http://www.sfmoma.org/explore/collection/artwork/213, PD-US, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=14899126
  • De Edvard Munch - Google Art Project, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37624942
  • De Franz Marc - The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202., Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=154604
  • By Tabbycatlove - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=74815857
  • By Pablo Picasso - Museum of Modern Art, New York, PD-US, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=547064
  • De Juan Gris - RgGPipJ4FxSBiw en el Instituto Cultural de Google resolución máxima, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21909200
  • De Talmoryair - Trabajo propio, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=706660
  • De Canaan - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=27622260
  • De Umberto Boccioni - Peggy Guggenheim Collection, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38418936

Contenido

Fauvismo

El Fauvismo fue un movimiento pictórico nacido en París y de escasa duración (de 1905 a 1908). Los fauvistas formaban un grupo heterogéneo integrado por Matisse, el líder del movimiento, junto a Derain, Vlaminck, Marquet y Dufy entre otros. El crítico Louis Vauxcelles les dio la despectiva denominación de fauves (fieras) cuando expusieron juntos en el Salón de Otoño de 1905.

Características generales

Los pintores fauvistas tenían como objetivo «simplemente transponer sus sentimientos en forma de color», en palabras de Matisse. Aunque mantenían su individualismo, usaban un lenguaje común. Sus alegres cuadros se caracterizaban por un colorido brillante, violento y arbitrario para expresar sentimientos y producir sensaciones placenteras, por influencia de Van Gogh y Gauguin. Los colores fuertes y puros, sin matices, aplicados en toques gruesos, les servían para construir el espacio, sin apenas perspectiva. Las composiciones eran decorativas y las figuras resultaban planas, contorneadas por líneas gruesas. Sus temas preferidos eran bodegones, interiores, paisajes y retratos que pintaban de forma amable y bella ya que pretendían dar alegría y placer al espectador con sus lienzos plenos de color.

Representantes

Matisse-Woman-with-a-Hat.jpg
Femme au chapeau de Matisse

Henri Matisse (1869- 1954) es la figura más representativa del Fauvismo. Se educó en el estudio del simbolista Moreau y realizó muchas copias de los grandes maestros. Tras una primera etapa divisionista, inauguró el fauvismo. En su obra se advierte la influencia de Van Gogh, Gauguin, las estampas japonesas y el exotismo oriental.

La pintura de Matisse era muy alegre y hedonista, caracterizada por extensas y arbitrarias masas de color brillante y sensual (rojos, verdes, azules, rosas) y una decoración de líneas curvas y ondulantes entrelazada con vegetación (arabesco). Pintó bodegones, retratos, interiores y odaliscas. Entre sus obras destacan Lujo, calma y voluptuosidad, de su fase puntillista, Mujer con la raya verde, La alegría de vivir, La habitación roja y La danza. Ya anciano, cuando no podía pintar a causa de la artritis, hizo unos recortes de papel coloreado con gouache de formas simples (El caracol). Matisse fue también escultor de pequeños bronces en movimiento (La Espalda I-IV). Ejerció enorme influencia en pintores posteriores.

Otros conocidos pintores del Fauvismo son:

André Derain (1880-1954) pintó emotivos paisajes de colores puros, aplicados a veces directamente del tubo, como El Puente de Westminster. Posteriormente se vio influido por el Cubismo que abandonó por el Clasicismo. Compartió un estudio con Maurice de Vlaminck (1876-1958), de temperamento nervioso y anarquista, autor de paisajes expresivos y dramáticos, con colores brillantes y fuertes como Árboles rojos. En cambio Albert Marquet (1875-1947) prefería una paleta más suave y composiciones más equilibradas; era un excelente dibujante (El puerto de Marsella). Por último Raoul Dufy (1877-1953) ha dejado alegres composiciones marinas en un estilo muy personal con dibujos en arabesco y brillantes colores, que aplicaba a manchas (Regata en Cowes).

Expresionismo

El término Expresionismo se aplica a un movimiento artístico de vanguardia que surgió en Alemania en 1905 como una reacción frente al Impresionismo y se extendió por Europa hasta bien entrado el siglo XX. Se desarrolló en todas las artes (literatura, música, cine, arquitectura, escultura). Los artistas expresionistas tendrán una visión pesimista de la vida, influidos por las ideas filosóficas de Nietzsche y Kierkegaard.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben «expresionismo» –en minúsculas– como término genérico y «Expresionismo» –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

La pintura expresionista

El grito de Edvard Munch

La pintura expresionista buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de Van Gogh y las esculturas africanas.

Los precursores

Además del lejano precedente de Goya en sus pinturas negras, los precursores del movimiento fueron el noruego Edvard Munch (1863- 1944) que pintó dramáticos cuadros de formas muy distorsionadas y colores violentos con los que expresaba su angustia mental (fruto de una infancia traumática). El más conocido es El grito (1895). El belga James Ensor (1860-1949) representó máscaras de carnaval y figuras grotescas con fuerte carga crítica (La muerte y las máscaras).

El Expresionismo alemán

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania. Surgió en torno a dos grupos Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1918 nació un tercer brote expresionista con el grupo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad).

Die Brücke (El Puente, 1905-1913)

El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al Fauvismo francés. Los jóvenes artistas querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías (grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana.

Los artistas más importantes fueron:

  • Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) considerado el jefe del grupo. Le encantaba el arte primitivo. Sus temas preferidos eran escenas callejeras con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy contrastados y líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia de la sociedad contemporánea (Cinco mujeres en la calle).
  • Emil Nolde (1867-1949) fue el más destacado del grupo aunque estuvo en él poco tiempo. Logró un estilo propio caracterizado por el brillante e intenso colorido y unas figuras salvajes y grotescas para expresar violentos sentimientos en sus cuadros religiosos (Danza en torno al becerro de oro, Susana y los viejos).
  • Karl Schmidt-Rottluff (n.1884), que pintaba monumentales paisajes con desnudos usando colores chillones sin matizaciones.

En 1910 el grupo Die Brücke se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de espectadores.

Caballos azules de Franz Marc

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)

Der Blaue Reiter surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del grupo; en 1912 publicaron el almanaque Der Blaue Reiter que dio nombre al grupo al que se sumaron otros artistas como Macke y Klee.

A pesar de ser un grupo expresionista como Die Brücke, diferían en sus planteamientos artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del Jinete Azul, más lírica y espiritual que la de Die Brücke. Los pintores más significados del grupo son:

  • El ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) tenía un estilo espiritual en el que se mezclaban los rasgos expresionistas con los del arte popular ruso. Buscaba expresar sus sentimientos a través de llamativos contrastes de color, sin preocuparse del tema (Improvisación, El Jinete Azul). Tras eliminar el elemento figurativo de sus telas, llegó a la abstracción pura en 1910.
  • Franz Marc (1880-1916) quería expresar a través de sus lienzos el misticismo de la naturaleza. Empleó un brillante colorido simbólico —especialmente el azul— y formas simplificadas en sus poéticas pinturas de animales (El sueño, Caballos azules, Ciervo en el bosque).
  • El suizo Paul Klee (1879-1940) perteneció al Jinete Azul poco tiempo evolucionando también a la abstracción. Fue profesor de la Bauhaus como Kandinsky. De una gran imaginación y destreza técnica, su estilo resulta inconfundible. Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves tonalidades y con trazos infantiles, en las que mostraba su realidad interior (Ad Parnasum, Senecio) aunque en sus últimos años su pintura se vuelve más amarga y oscura.

El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la Primera Guerra Mundial.


Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933)

Acabada la guerra, nació en 1918 un tercer grupo expresionista en Berlín. Inmersos en el clima de derrota, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa.

Sus principales componentes fueron:

  • Georg Grosz (1893-1959) famoso caricaturista que en su obra satirizaba a los diversos estamentos sociales, especialmente a los militares.
  • Otto Dix (1891-1969) que representó de forma realista los males de la sociedad.
  • Max Beckmann (1884-1950) autor de retratos y atormentados trípticos de un realismo descarnado, llenos de figuras angulosas bordeadas de contornos negros (La Partida, La gallina ciega).

Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y los incluyeron en la famosa exposición de Arte Degenerado celebrada en Munich en 1938.

Dentro del Expresionismo alemán debemos considerar también a los pintores austriacos del foco de Viena: Oscar Kokoschka (1886-1980) pintó retratos de gran penetración psicológica (Autorretrato) y paisajes con un lenguaje propio, de vibrante colorido y empastes gruesos (La novia del viento o La tempestad, en que plasmó al artista y su amante arrastrados por el viento) y Egon Schiele (1890-1918) excelente dibujante, cuya obra está cargada de fuerte erotismo, es conocido por sus retratos y paisajes.

El Expresionismo francés

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El viejo Rey de Charles Rouault

Francia es el otro foco importante del Expresionismo. Un precursor fue Georges Rouault (1871-1958), que estuvo vinculado primeramente al Fauvismo. Profundamente cristiano, criticó los vicios de la sociedad en sus cuadros, primero en tonos sombríos y más tarde de colores luminosos y vivos, encerrados por gruesas líneas negras, a la manera de vidrieras (El viejo rey).

El lituano Chaim Soutine (1894-1943), uno de los principales expresionistas de la llamada Escuela de París, pintó trágicos paisajes de gran violencia emocional y retratos distorsionados con gruesas pinceladas (El buey en canal, inspirada en Rembrandt, Paisaje).

También a esa escuela perteneció el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) aunque resulta un artista difícil de clasificar; su original obra no puede ser encuadrada en ningún movimiento concreto. Influido por los maestros del Renacimiento italiano y el arte primitivo, desarrolló un estilo caracterizado por el alargamiento manierista de las formas, que eran simples y contorneadas por un expresivo dibujo. Hizo retratos y sensuales desnudos femeninos (Mujer con collar, Desnudo acostado). Realizó también esculturas (Cabeza) y estuvo cercano al Cubismo.

El Expresionismo en España

Aunque en España no llegó a establecerse el movimiento expresionista como tal, como corriente artística de vanguardia asociada a las primeras décadas del siglo XX, ni tampoco se establecieron grupos artísticos expresionistas, destacaron Isidro Nonell (1873-1911), que pintó gitanas y bodegones con gran sentido del color y José Gutiérrez Solana (1886-1945) ligado a la Generación del 98, que criticó la España negra con un humor cruel, inspirado en Goya, con una oscura paleta (Carnaval, La visita del obispo, y retratos como Tertulia del Café Pombo). La pintura de Ignacio Zuloaga (1870-1945) mantuvo un carácter más tradicional en sus excelentes retratos de tipos regionales.

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Las dos Fridas de Frida Kahlo

El Expresionismo en México

En México surgió un expresionismo original: el movimiento muralista mexicano, de raíz indigenista, cuyos representantes estaban vinculados política y socialmente con la revolución de 1910. Los artistas tenían una preocupación didáctica para hacer llegar a las masas analfabetas los presupuestos revolucionarios, a la vez que se interesaban por las innovaciones plásticas. Realizaron grandes murales al fresco en edificios públicos.

Los pintores principales fueron:

  • José Clemente Orozco (1883-1949) realizó primero litografías, inspiradas en el arte azteca, y numerosos murales en México y Nueva York con gran virtuosismo y mensaje simbólico.
  • Diego Rivera (1886 – 1957) se interesó por el cubismo y luego por el arte maya y azteca. Pintó grandes composiciones murales sobre la historia del pueblo mexicano (Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de México) con un primitivismo realista de colores vivos.
  • David Alfaro Siqueiros (1896-1974) completa el trío de muralistas con sus audaces composiciones de rico colorido.
  • Un estilo muy personal y simbólico es el de la pintora Frida Khalo (1907-1954), esposa de Rivera. Gravemente enferma tras un accidente de coche, su pintura expresaba su angustia interior. Son famosos sus Autorretratos.

La escultura expresionista

En el Expresionismo escultórico sobresalieron los alemanes Ernst Barlach (1870-1938) que, siguiendo la tradición medieval alemana, trabajó la madera en sus vigorosas figuras de formas sólidas, llenas de fuerza emocional (Hombre en el cepo) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) que, tras unas primeras obras dentro del clasicismo naturalista siguiendo a Maillol, alcanzó su propio estilo expresionista con sus figuras alargadas y dramáticas inspiradas en la escultura gótica (Mujer arrodillada, Hombre de pie).

Fuera del mundo germánico el expresionismo se extendió con rapidez por Europa. Sir Jacob Epstein (1880-1959), americano nacionalizado inglés, realizó obras monumentales muy distorsionadas (San Miguel, de la catedral de Coventry) y bustos en bronce. El italiano Marino Marini (1901-1980) trabajó en un estilo muy personal el bronce. Su tema preferido fue Caballo y jinete, figuras de trágico simbolismo.

Algunas obras de los grandes escultores del siglo XX encuadrados en otros estilos, como Gargallo, González o Giacometti, se pueden considerar expresionistas.

Cubismo

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Las señoritas de Aviñón de Picasso

El Cubismo, creado por Pablo Picasso y su compañero George Braque, es uno de los movimientos artísticos de vanguardia más importante del siglo XX. Surge en Francia entre 1907 y 1914 y se extiende posteriormente por todo el mundo.

La pintura cubista

El Cubismo se inició en 1907, fecha en la que Picasso pintó Las Señoritas de Aviñón.

Características

El Cubismo se inspira en los postulados artísticos de Seurat y de Paul Cézanne que había encontrado planos en objetos reales que había usado para establecer una estructura de la forma a través del color. Los cubistas impondrán su propia estructura de planos monocromáticos sobre el objeto con el fin de lograr una comprensión más profunda de la realidad.

El Cubismo romperá con la idea tradicional del arte como representación de la naturaleza. Su planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y simultánea de los objetos que serán representados como se sabe que son y no como parecen ser, de forma simultánea en múltiples planos. Pueden ser vistos desde diferentes puntos de vista, en vez de un único punto de vista fijo, acabando con la perspectiva tradicional. Los artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos.

Las formas simples y geométricas dominan en las composiciones- cubos, cilindros, esferas. En ello se observa la influencia de las esculturas primitivas y africanas.

Los cubistas se despreocupan del tema y del color. El color fue virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los principales temas serán bodegones, retratos, y ocasionalmente paisajes.

Etapas del Cubismo

Retrato de Picasso por Juan Gris

Se distinguen dos fases en el desarrollo del Cubismo. La analítica y la sintética.

Cubismo Analítico

Es la etapa de 1910 a 1912 caracterizada por la descomposición de las figuras en múltiples planos, que muestran una estructura a menudo piramidal. Los colores son fríos y serenos, predominando los suaves tonos marrones y verdes. Los temas generalmente son músicos, instrumentos, periódicos

Cubismo Sintético

En 1912 surge el Cubismo sintético en que los pintores ya no buscaban desintegrar el objeto sino rehacerlo en su forma esencial. Las gamas de color son más ricas. Se inventó la técnica del collage- de la palabra francesa coller (pegar con cola)- al introducir en el cuadro materiales diversos (papeles, telas, cristal, arena etc.) a veces combinados con zonas pintadas.

Representantes

El principal pintor del Cubismo es Picasso, cuya extraordinaria figura merece ser estudiada en un capítulo aparte. Otros grandes pintores cubistas fueron:

  • Georges Braque (1882-1963) es junto a Picasso es el otro creador del cubismo. Su pintura era muy similar a la del malagueño como se ve en La portuguesa (1911). Pintó paisajes (L' Éstaque) y muchos bodegones con instrumentos musicales guitarra, el violín o la mandolina El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo. En Naturaleza muerta con naipes reduce el color a grises y ocres y descompone las formas. También introducirá en sus pinturas los collages.
  • El español Juan Gris (1887-1927) se mantuvo fiel al cubismo sintético y coloreado. Estaba interesado por la estructura rigurosa de sus composiciones, muy simplificadas. Pintó muchos bodegones con botellas, fruteros, periódicos, pipas, e instrumentos musicales, que se identifican con facilidad. En su paleta predominan los grises, ocres y verdes. Ejemplos: Naturaleza muerta sobre una silla, Violín y guitarra y Guitarra delante el Mar (1925)
  • La pintora española María G. Blanchard (1881-1932) instalada en París desde 1909, se vinculó al Cubismo debido a su amistad con Juan Gris. Su pintura se caracteriza por un uso muy personal del color (Naturaleza muerta cubista). Más tarde evoluciona hacia la figuración, con personajes melancólicos y tiernos, generalmente niños (Madre e hijo, Maternidad).

El Cubismo se extendió rápidamente, descomponiéndose a partir de 1920 en una gran variedad de estilos personales, entre los que destacan Fernand Leger (1881-1955) que incorporó la maquinaria moderna en sus telas, de vivos colores y grandes formas geométricas de aspecto tubular (Los acróbatas, Los constructores) y los rusos Robert Delaunay (1885-1941) y su mujer Sonia Delaunay (1885-1983), establecidos en Paris y creadores de una variante conocida como Cubismo órfico u Orfismo. Querían dotar de movimiento a los cuadros cubistas como en Discos, de brillante color. Llegarán a la abstracción en 1912 con Formas circulares cósmicas.

El Cubismo tuvo gran difusión internacional. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tend

La escultura cubista

Mujer peinándose de Archipenko

Características

El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la simultaneidad de perspectivas por la intersección de volúmenes, la descomposición de formas y la nueva valoración de los materiales y su ensamblaje. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico.

Representantes

Muchos pintores cubistas se dedicaron también a la escultura. Entre ellos destacan: Pablo Picasso que después de hacer esculturas siguiendo modelos postrodinianos (Cabeza de arlequín) aplicó en 1909 los esquemas formales del Cubismo en su Cabeza. Realizó los primeros relieves cubistas a base de madera y cartón pintados, ensamblando diversos materiales. Después incorporó el hierro a sus esculturas para hacerlas más expresivas aunque siempre pervivieron elementos cubistas. Entre sus últimas obras sobresalen El hombre del cabrito, El Gallo y La Cabra, de 1950.

Braque hizo algunas esculturas aisladas, mostrando su interés por lo táctil y las ilusiones volumétricas. Juan Gris modeló un encantador Arlequín en yeso, que luego pintó, de planos y volúmenes entrecruzados. Amadeo Modigliani fue también un magnífico escultor cercano al Cubismo. Aprendió a tallar con Brancusi y estaba fascinado por el arte africano. Se introdujo en el análisis espacial cubista.

Entre los grandes escultores cubistas destacan:

  • El ucraniano Alexander Archipenko (1887-1964) fue un escultor muy original. En 1908 se trasladó a París donde entró en contacto la vanguardia artística y tuvo su propia escuela de arte en 1912. Sus esculturas, a menudo pintadas, estaban fragmentadas en volúmenes simples y geométricos y por primera vez los huecos o espacios vacíos formaban parte de ellas (Mujer peinándose, Gondolero). Utilizaba materiales diversos. Ensamblando piezas realizó en 1914 “esculto-pinturas”. Ejerció una gran influencia en EEUU, país al que emigró en 1923.
  • El lituano Jacques Lipchitz (1891- 1973) se instaló en París en 1909 y en 1914 se unió al cubismo (Marinero con guitarra) construyendo con chapas y jugando con líneas de gran pureza, quebradas y diagonales. Más tarde comenzó a experimentar con formas más abstractas (Mujer recostada con guitarra). Paulatinamente su escultura se hizo más monumental y primitiva. En 1941 se instaló en Nueva York; su monumental Paz en la Tierra es de 1967-1969.
  • Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) formó parte del grupo cubista francés la Section d ´Or. Se interesó por la abstracción y por el movimiento de la figura, jugando con el lleno y el vacío. Su obra más conocida es El caballo.
  • Henri Laurens (1885-1954) transpuso la pintura del cubismo sintético al espacio en tres dimensiones, elaborando piezas policromadas ensambladas en madera y metal y esculturas exentas de piedra con formas geométricas muy simplificadas y estilizadas, con un estilo lleno de sencillez, serenidad y gracia. Su tema preferido era la mujer (Mujer con guitarra, Mujer del abanico).

En la escultura en hierro descollaron dos artistas españoles, Gargallo y González.

  • Pablo Gargallo (1881-1934). Su padre era herrero y aprendió la técnica de la forja. Sus primeras obras pertenecen al Modernismo. En 1903 marchó a París donde conoció a Picasso y asimiló los postulados estéticos del Cubismo. Gargallo utilizaba las chapas metálicas recortadas, jugando con las formas para sugerir volúmenes y exaltar los vacíos, que daban lugar a contrastes de luz. Se interesaba también por el movimiento. Entre sus obras destacan Danzarina, Máscara de Kiki, retratos de Picasso y de Greta Garbo y la extraordinaria El Profeta de 1933, obra de hierro que presenta rasgos del Expresionismo por su dramatismo.
  • Julio González (1876- 1942) realizó pequeñas obras de orfebrería modernistas en el taller de su padre. En 1900 se trasladó a París y a partir de 1927 sólo se dedicó a la escultura en hierro con tendencias cubistas. Utilizaba las técnicas de la forja, el repujado, las chapas recortadas y la soldadura autógena. En la década de los 30 irá abandonando sus referencias a la figura humana (Mujer peinándose) y caminando hacia la abstracción (Maternidad, Hombre cactus) volviendo en ocasiones a la figuración naturalista como en su dramática y expresiva Montserrat realizada en planchas de hierro para la Exposición Internacional de París de 1937.
Los aurigas olímpicos de Pablo Gargallo

Futurismo

El Futurismo es un movimiento artístico de vanguardia iniciado en Italia, coetáneo del Cubismo. Se extiende brevemente desde 1910 hasta 1916. Tuvo un origen literario, en torno a la figura del poeta Marinetti, quien publicó en 1909 el explosivo Manifiesto Futurista en el que exaltaba el progreso, la máquina, la velocidad y denigraba la tradición clásica abogando por la destrucción de las academias y museos. Un año después se hizo el Manifiesto de los Pintores Futuristas (Boccioni, Balla, Carrá, y Severini, entre otros).

Características

Dinamismo de un ciclista de Boccioni

Los artistas futuristas defendían un arte nuevo, anticlásico, que rompiera con el pasado y respondiera al dinamismo de la sociedad tecnificada contemporánea. Sus ideas revolucionarias no se limitaban al arte, sino que querían transformar la vida entera. Su gusto por la violencia les acercó posteriormente al fascismo.

Los pintores futuristas querían captar el movimiento de forma simultánea, mediante la repetición y secuenciación de las posiciones de un mismo objeto, por influencia de la fotografía y el cine. Usaron la técnica puntillista y más tarde la cubista, multiplicando las líneas y colores vibrantes para conseguir dar impresión de dinamismo.

Representantes

  • Umberto Boccioni (1882-1916) es el pintor y escultor más dotado del grupo. Quería hacer una pintura capaz de expresar emociones y representar de forma sintética el movimiento y el tiempo, usando a veces la pincelada puntillista y otras la estructura formal del Cubismo, como en Dinamismo de un ciclista. Es el mejor representante de la escultura futurista. Su obra más importante es la célebre Forma única de continuidad en el espacio, una figura masculina representada en imágenes superpuestas llena de movimiento y dinamismo. Realizó también piezas construidas combinando diversos materiales (madera, hierro, vidrio, etc.)
  • Giacomo Balla (1871-1958) analizó los aspectos ópticos del movimiento. En su cuadro Dinamismo de un perro con correa, logra dar sensación de movimiento gracias a la multiplicación de las patas y la repetición de las curvas de la correa del perro. Realizó estudios sobre la luz y el color en sus Compenetraciones Iridiscentes. También hizo construcciones escultóricas en maderas de vivos colores.
  • Carlo Carrá (1881-1966) en su famoso cuadro Funeral del anarquista Galli representó una multitud de imágenes simultáneas fragmentadas en planos, con gran sensación de movimiento y vivo colorido. En 1916 derivó hacia la pintura metafísica.
  • Gino Severini (1883-1966) es el más decorativo de los futuristas. En sus telas trató de reconciliar el Cubismo y el Futurismo, mezclando las múltiples perspectivas de los cubistas con el dinamismo el movimiento futuristas, explorando también el color. (Bailarina en azul, Bal Tabarin)

Créditos

Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato y wikipedia

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Imagen:

  • De Vasili Kandinski, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37619232
  • By Henri Matisse - http://www.sfmoma.org/explore/collection/artwork/213, PD-US, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=14899126
  • De Edvard Munch - Google Art Project, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37624942
  • De Franz Marc - The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202., Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=154604
  • By Tabbycatlove - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=74815857
  • By Pablo Picasso - Museum of Modern Art, New York, PD-US, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=547064
  • De Juan Gris - RgGPipJ4FxSBiw en el Instituto Cultural de Google resolución máxima, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21909200
  • De Talmoryair - Trabajo propio, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=706660
  • De Canaan - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=27622260
  • De Umberto Boccioni - Peggy Guggenheim Collection, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38418936

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Fauvismo, definición y características

Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis 1869 -  Niza 1954)

Las vanguardias (primera parte)

Expresionismo

La eclosión de las vanguardias

El retrato en los Siglos XIX y XX

Cézanne, el padre del cubismo

Cubismo

La eclosión de las vanguardias

Las vanguardias en la escultura

TO EXPERIENCE

Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso.

La alegría de vivir, de Matisse

El Grito de Munch como nunca te lo han contado

Lírica sobre blanco (o Sobre blanco II), de Kandinsky

Pablo Gargallo: El Profeta

Boccioni: Formas únicas de continuidad en el espacio

Mapa Conceptual: Artes figurativas de principios del siglo XX (I)

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