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tipo de documento Lecciones
El Dadaísmo es un movimiento artístico de vanguardia que nació en 1916 en Zurich (Suiza), donde se habían refugiado numerosos intelectuales de toda Europa huyendo de la Primera Guerra Mundial.
El escritor Hugo Ball montó un café literario, el Cabaret Voltaire, donde se reunían una serie de artistas jóvenes, entre los que destacaba el poeta rumano Tristan Tzara, y organizaban veladas musicales y literarias con lectura de poemas.
Allí surgió el Dadaísmo en torno a Tzara, líder y fundador del movimiento. El nombre Dada no tiene ningún significado. Se cree que la palabra dada -caballito de juguete- surgió por azar al abrir un diccionario.
El grupo publicó la revista Dada, que dio difusión a sus planteamientos. El dadaísmo se extendió pronto por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
El Dadaísmo era un movimiento provocador y nihilista, que intentaba hacer tabla rasa de los valores establecidos y cuestionaba el concepto de belleza y la existencia misma del arte. Era también una forma de vivir. Los dadaístas atacaban toda la cultura anterior Defendían lo irracional, lo absurdo y la espontaneidad en el arte. Les gustaba provocar y escandalizar al público con sus acciones cargadas de ironía y sátira.
Los dadaístas rompieron las formas artísticas tradicionales e inventaron nuevos medios de expresión, como el automatismo, los objetos encontrados y el montaje casual de fragmentos. El movimiento Dada anticipó el Surrealismo.
Jean Arp (1887-1966) nacido en Estrasburgo, fue un original escultor que realizó collages con papeles rotos en pedazos y pegados de forma casual. Más tarde hizo relieves con piezas de madera policromada recortadas de formas biomórficas y redondeadas, con cierto infantilismo (Placa de huevos, Pez y bigote).
Max Ernst (1891-1976) será la figura más importante del dadaísmo en Colonia. En colaboración con Arp realizó una serie de collages a los que llamó Fatagagas. Se pasó al Surrealismo en 1924, movimiento en el que hará su mejor obra.
El alemán Kurt Schwitters (1887-1948) realizó pequeños y poéticos cuadros, que él llamaba merz, con desechos cotidianos- papeles de periódicos, etiquetas, billetes de autobús, colillas, trapos, etc.- y materiales toscos como madera, cartón y alambre ensamblados. A veces añadía unas pinceladas de color. Eran esculto-pinturas. En su casa de Hannover erigió una obra, a la que llamó Merzbau, que llegó a llenar dos pisos. Fue destruida por los nazis.
El principal representante del Dadaísmo es el francés Marcel Duchamp (1887-1968). Su Desnudo bajando una escalera (1912), aún cercano a los planteamientos formales del Cubismo, es ya futurista en su forma de expresar el movimiento del cuerpo visto simultáneamente en diversos momentos sucesivos y le enfrentó a los cubistas.
Su obra más importante es La novia desnudada por sus solteros, una construcción realizada con dos láminas superpuestas de cristal. En una de ellas están representados una mujer y unos hombres de formas mecánicas. La imagen, ejecutada en pintura y mercurio, es difícil de interpretar; quizá sea una sátira sobre el arte y el sexo. La obra se rompió accidentalmente y Duchamp la consideró concluida por intervención del azar.
Revolucionó la escultura al inventar los ready-made, objetos encontrados cotidianos a los que ponía titulo y firmaba para elevarlos a la categoría de obras de arte. Expuso entre otros La rueda de bicicleta colocada sobre un taburete, El portabotellas y La Fuente, un urinario de loza puesto del revés. Su espíritu burlón le llevó a pintar a la Gioconda con bigote y perilla, su obra más irreverente con el arte.
Emigró a los Estados Unidos al estallar la Primera Guerra Mundial y fundó en Nueva York el grupo dadaísta neoyorquino junto al fotógrafo y pintor americano Man Ray (1890-1976) autor de composiciones como La pajarera o Cadeau, una plancha con clavos en la base y el francés Francis Picabia (1879-1953), pintor muy versátil, que hacía pinturas de formas mecanizadas, sus Maquinas irónicas. Se unió luego a los surrealistas.
El Surrealismo es un movimiento de vanguardia artística creado en 1924 tras el Manifiesto Surrealista de André Breton, guía espiritual del mismo. Inicialmente literario, afectó a todas las artes y terminó siendo una actitud vital, un intento de transformar la sociedad burguesa.
El Surrealismo libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dando rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el Surrealismo supo dar cauce a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera postguerra. Es heredero del movimiento Dadá.
El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, siendo su período más floreciente el de 1924 a 1928.
Características
Los pintores surrealistas trataban de liberar la imaginación accediendo al subconsciente, lo más profundo del ser humano, que afloraba a través de los sueños. Como ideal estético se proponían lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era «hacer arte», sino explorar posibilidades.
Su tema principal era el mundo de los sueños. En técnicas usaban el automatismo, que consiste en dibujar o escribir sin aparente lógica, dejando a la mano libre; la desorientación reflexiva, por la que asociaban objetos extraños, surgidos libremente del subconsciente, en espacios lógicos y realistas, y el frottage, o dibujo obtenido mediante frotamiento de la superficie de los objetos. También empleaban otras técnicas dadás como el fotomontaje, el objeto encontrado, los materiales de deshecho, etc.
Representantes
Un precursor del Surrealismo es el pintor ruso Marc Chagall (1887-1985) que se instaló en 1910 en Paris, la capital artística del mundo, y formó parte de la llamada Escuela de París. Su estilo es tan personal e imaginativo que resulta difícil enclavarlo en ningún movimiento. Su pintura se caracteriza por los brillantes colores e imágenes deliciosamente infantiles y líricas sacadas del folklore judío de su tierra natal. En sus obras hay también elementos expresionistas y cubistas. Sus cuadros más conocidos son Autorretrato con siete dedos, en que se puede ver la influencia cubista, y La aldea y yo. Diseñó también de las vidrieras de la catedral de Metz.
El Surrealismo tiene dos modalidades:
Corriente objetiva o figurativa
El catalán Salvador Dalí (1904-1989) es el más extravagante de todo el grupo. En sus telas dio realidad a sus delirios y obsesiones, aplicando el método paranoico-crítico de su invención. Su estilo se caracteriza por un dibujo academicista y de gran exactitud, una luz muy clara y figuras alargadas y descompuestas siempre inquietantes. Su actitud megalómana y provocadora, así como su desmedido amor al dinero, escandalizó a los surrrealistas, que lo expulsaron del grupo en 1933. Otro motivo de alejamiento fue la simpatía que mostró al bando franquista durante la Guerra Civil española. En los años 40 se instaló en Estados Unidos y su pintura se volvió más conservadora. Sus obras más conocidas son La persistencia de la memoria, con sus perturbadores relojes blandos y al fondo los acantilados de Cadaqués, El gran masturbador y Premonición de la Guerra Civil, con monstruosas y terribles figuras. En sus obras posteriores como Leda atómica, en que pintó a su esposa y musa Gala, y las religiosas La Madonna de Port Lligat y El Cristo de San Juan de la Cruz mostró un sentido más clásico del espacio.
El belga René Magritte (1898-1967) componía lienzos llenos de imaginación. Pintaba con gran realismo objetos cotidianos y los combinaba de forma incongruente y absurda. Sus graciosas telas son una mezcla de humor y poesía, cargadas de enigmas y símbolos. Son muy conocidas Delirios de grandeza, con un cuerpo humano fragmentado, El tiempo detenido que muestra un tren saliendo de la chimenea de una habitación, y La voz de los vientos con unos pesados globos que flotan.
Max Ernst (1891-1976) fue una figura destacada del Dadaísmo y posteriormente pasó al Surrealismo. Fue el adaptador de técnicas como el collage, la calcomanía y el fotomontaje al estilo surrealista y el inventor de nuevas técnicas como el frotagge que proporciona calidades oníricas a sus obras más conocidas, una serie de paisajes fantásticos que sugieren extraños bosques pétreos, mezcla de pesadilla y poesía (Selvas, Napoleón en el desierto, Europa tras la lluvia).
El belga Paul Delvaux (1897-1994) estaba obsesionado por la figura femenina ideal, desnuda o vestida, a la que situaba en espacios irreales, como soñados, pero ejecutados con gran precisión (La ciudad dormida, La vía pública).
Corriente antiobjetiva o poética
Joan Miró (1893-1983) El pintor catalán es el máximo representante de esta corriente. Su pintura, elaborada con colores puros y tintas planas, estaba llena de fantasía, alegre, lúdica, lírica (el cielo, las estrellas, la música...). Su estilo se hizo cada vez más simple y personal, con formas biomórficas dibujadas de manera infantil. Entre sus obras destacan El carnaval de Arlequín, Mujer, pájaro y estrella, El oro del azul del cielo. Miró fue también escultor y ceramista (Edificio de la UNESCO en París, Noche y día). En Barcelona, su ciudad natal, tiene un museo, la Fundación Miró.
El francés Yves Tanguy (1900-1985) pintó misteriosos paisajes de sueño, como de fondos marinos o de otro planeta, llenos de objetos misteriosos y sensación de infinito como El tiempo amueblado.
Roberto Matta (1912) un pintor chileno, se unió mucho más tarde el movimiento surrealista. Emigrado a Estados Unidos en 1939, sus lienzos derrochan formas casi abstractas de brillantes colores y mucho movimiento (Escuchando la vida).
Casi todos los pintores surrealistas hicieron alguna escultura como el polifacético Ernst que realizó obras en yeso o bronce como Edipo rey (1934), Espárragos lunares (1935) y Miró que combinaba cuerda, alambres y chapas de metal (Pájaro lunar, 1968).
Los más importantes escultores fueron:
La pintura metafísica es el nombre de un movimiento artístico italiano, creado por los pintores De Chirico y Carrà, que se habían conocido en 1916. Querían representar un mundo más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento tuvo una vida fugaz, ya que se disolvió hacia 1920 pero su influencia se dejó sentir en los surrealistas.
Usando una técnica realista y perspectivas tradicionales, los metafísicos pintaron oníricas y visionarias ciudades y plazas italianas vacías, en las que combinaban objetos insólitos, como arquitecturas, estatuas clásicas y maniquíes. Buscaban lo oculto tras la apariencia de las cosas corrientes y simples.
Giorgio De Chirico (188-1978) trabajó en París desde 1911 como pintor de bodegones y enigmáticos y desoladores paisajes urbanos desiertos, con una especial iluminación y una técnica realista (La nostalgia del infinito). Más tarde introduce en sus paisajes inquietantes maniquíes, como en Héctor y Andrómaca. A partir de 1930 su estilo se hizo más suave y de menos interés. De Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Carlo Carrà (1881-1966) había sido uno de los pintores líderes del futurismo que se adhirió a la pintura metafísica al conocer a De Chirico. Su obra se inspiraba en los protorrenacentistas italianos como Giotto. Pintaba objetos sencillos y maniquíes, como en Musa metafísica.
Giorgio Morandi (n. 1890) pintó naturalezas muertas con objetos cotidianos - botellas, jarras, cajas etc.- de formas simples, con gran maestría y claridad.
El arte Abstracto es un movimiento artístico que nace con la creación de la nueva pintura por el ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino solamente formas y colores.
Características
Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El arte abstracto consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual; se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
Representantes
La Abstracción pictórica tiene dos corrientes:
La Abstracción Lírica
Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.
La Abstracción Geométrica
El holandés Piet Mondrian (1872- 1944) tras pasar por el fauvismo, el cubismo y el futurismo, será el creador y líder del Neoplasticismo, corriente pictórica abstracta geométrica. En 1917 en colaboración con Theo Van Doesburg fundó la revista De Stijl (El Estilo) donde expuso su teosofía y sus planteamientos místicos.
Mondrian buscaba expresar lo Universal y lo Absoluto con una pintura racional, clara y sencilla, carente de emoción. Redujo todos los elementos formales a superficies planas delimitadas por líneas rectas, horizontales y verticales, utilizando sólo los colores primarios (rojo, amarillo y azul) complementados con negro y blanco (Composición en rojo, amarillo y azul) logrando cuadros llenos de armonía y reposo. Mondrian ha ejercido una gran influencia en el arte, el diseño industrial y la publicidad del siglo XX.
En Rusia, Mijail Larionov (1881-1964) y su esposa Natalia Goncharova (1883-1962) inventaron en 1909 el Rayonismo, con el que querían representar de forma abstracta las radiaciones de los cuerpos (Rayonismo rojo).
Kasimir Malevich (1878-1935) fue el creador en 1915 del Suprematismo que se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos (Cuadrado negro sobre fondo blanco, Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pinturas Sin título). Su estilo servirá para hacer carteles propagandísticos.
Tras la Revolución de 1917, surgió el Constructivismo, una amalgama de futurismo y cubismo con la influencia de Malevich. Los constructivistas rusos querían nuevas opciones artísticas y culturales adecuadas a la nueva sociedad socialista. La vanguardia constructivista se escindió en dos facciones:
El rumano Brancusi (1876-1957) aunque no estuvo vinculado a ningún movimiento artístico concreto, puede ser considerado el gran escultor abstracto del siglo XX. En 1904 se instaló en París, donde vivió hasta su muerte. Influenciado al principio por Rodin, en 1907 empezó a tallar directamente y trató de obtener formas elementales de universal belleza. Buscaba captar la esencia de las cosas, lo absoluto. Trabajó la piedra con gran maestría y sobre todo el mármol, amorosamente pulido, haciendo réplicas de sus obras en bronce.
La belleza de las superficies de Brancusi provoca el deseo de tocarlas. Entre sus obras destacan El beso, en que logra el equilibrio de los dos cuerpos y el bloque de piedra, Caríatide, Musa dormida, una característica cabeza ovoide cuyos rasgos están reducidos al mínimo, Busto de Mademoiselle Pogany, El pájaro en el espacio, que sugiere la forma de un pájaro y transmite pureza y velocidad, su célebre Maiastra- el pájaro solar del folklore rumano-en bronce, del que dijo “Yo no esculpo pájaros, sino su vuelo” y El pez en que trató de captar la rapidez y el brillo del animal.
El inglés Henri Moore (1898- 1986) influido por la escultura africana y la primitiva en sus inicios, tras pasar por el surrealismo en 1930, se interesó posteriormente por la abstracción. Su estilo está cargado de humanismo e inspirado en la naturaleza (rocas, guijarros, huesos, ramas...) tiene un estilo cargado de humanismo e inspirado en la naturaleza.. Sus temas preferidos son la madre con el hijo o figuras reclinadas. Sus esculturas, talladas directamente, están realizadas en piedra, madera y bronce, tienen huecos o espacios vacíos y son monumentales, generalmente ubicadas al aire libre. Destacan Figura reclinada (1929) y monumental, en función de su ubicación generalmente al aire libre y Rey y reina (1952-53) en bronce.
La escultora inglesa Bárbara Hepworth (1903-1975), vinculada a Moore, gustaba de estudiar las calidades de los materiales y los juegos de la luz en las superficies muy pulidas y en los huecos (Dos formas con una esfera, 1935)
En la abstracción no figurativa destaca Alexander Calder (1898-1976), un americano instalado en París. Tras pasar por el Surrealismo, en 1932 hizo unas esculturas móviles, los famosos mobiles, con discos metálicos sujetos por finos alambres y pintados de vivos colores; el mismo año construyó también grandes y pesadas esculturas de hierro, los stabiles.
Destacaron también los escultores constructivistas rusos, como Vladimir Tatlin (1885-1953), autor del Monumento a la Tercera Internacional, Alexander Rodchenko (1891-1956) y sus Construcciones suspendidas, y los hermanos Antón Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977) que experimentaron con los nuevos materiales plásticos. El primero gusta de las formas helicoidales de curvadas superficies, a veces con varillas de bronce (Columna), mientras Gabo prefiere las formas geométricas rectas realizadas en plásticos transparentes (Construcción lineal) o en bronce. Vinculado a ellos está el húngaro Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946) que experimentaron con los nuevos materiales plásticos.
Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato
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El Dadaísmo es un movimiento artístico de vanguardia que nació en 1916 en Zurich (Suiza), donde se habían refugiado numerosos intelectuales de toda Europa huyendo de la Primera Guerra Mundial.
El escritor Hugo Ball montó un café literario, el Cabaret Voltaire, donde se reunían una serie de artistas jóvenes, entre los que destacaba el poeta rumano Tristan Tzara, y organizaban veladas musicales y literarias con lectura de poemas.
Allí surgió el Dadaísmo en torno a Tzara, líder y fundador del movimiento. El nombre Dada no tiene ningún significado. Se cree que la palabra dada -caballito de juguete- surgió por azar al abrir un diccionario.
El grupo publicó la revista Dada, que dio difusión a sus planteamientos. El dadaísmo se extendió pronto por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
El Dadaísmo era un movimiento provocador y nihilista, que intentaba hacer tabla rasa de los valores establecidos y cuestionaba el concepto de belleza y la existencia misma del arte. Era también una forma de vivir. Los dadaístas atacaban toda la cultura anterior Defendían lo irracional, lo absurdo y la espontaneidad en el arte. Les gustaba provocar y escandalizar al público con sus acciones cargadas de ironía y sátira.
Los dadaístas rompieron las formas artísticas tradicionales e inventaron nuevos medios de expresión, como el automatismo, los objetos encontrados y el montaje casual de fragmentos. El movimiento Dada anticipó el Surrealismo.
Jean Arp (1887-1966) nacido en Estrasburgo, fue un original escultor que realizó collages con papeles rotos en pedazos y pegados de forma casual. Más tarde hizo relieves con piezas de madera policromada recortadas de formas biomórficas y redondeadas, con cierto infantilismo (Placa de huevos, Pez y bigote).
Max Ernst (1891-1976) será la figura más importante del dadaísmo en Colonia. En colaboración con Arp realizó una serie de collages a los que llamó Fatagagas. Se pasó al Surrealismo en 1924, movimiento en el que hará su mejor obra.
El alemán Kurt Schwitters (1887-1948) realizó pequeños y poéticos cuadros, que él llamaba merz, con desechos cotidianos- papeles de periódicos, etiquetas, billetes de autobús, colillas, trapos, etc.- y materiales toscos como madera, cartón y alambre ensamblados. A veces añadía unas pinceladas de color. Eran esculto-pinturas. En su casa de Hannover erigió una obra, a la que llamó Merzbau, que llegó a llenar dos pisos. Fue destruida por los nazis.
El principal representante del Dadaísmo es el francés Marcel Duchamp (1887-1968). Su Desnudo bajando una escalera (1912), aún cercano a los planteamientos formales del Cubismo, es ya futurista en su forma de expresar el movimiento del cuerpo visto simultáneamente en diversos momentos sucesivos y le enfrentó a los cubistas.
Su obra más importante es La novia desnudada por sus solteros, una construcción realizada con dos láminas superpuestas de cristal. En una de ellas están representados una mujer y unos hombres de formas mecánicas. La imagen, ejecutada en pintura y mercurio, es difícil de interpretar; quizá sea una sátira sobre el arte y el sexo. La obra se rompió accidentalmente y Duchamp la consideró concluida por intervención del azar.
Revolucionó la escultura al inventar los ready-made, objetos encontrados cotidianos a los que ponía titulo y firmaba para elevarlos a la categoría de obras de arte. Expuso entre otros La rueda de bicicleta colocada sobre un taburete, El portabotellas y La Fuente, un urinario de loza puesto del revés. Su espíritu burlón le llevó a pintar a la Gioconda con bigote y perilla, su obra más irreverente con el arte.
Emigró a los Estados Unidos al estallar la Primera Guerra Mundial y fundó en Nueva York el grupo dadaísta neoyorquino junto al fotógrafo y pintor americano Man Ray (1890-1976) autor de composiciones como La pajarera o Cadeau, una plancha con clavos en la base y el francés Francis Picabia (1879-1953), pintor muy versátil, que hacía pinturas de formas mecanizadas, sus Maquinas irónicas. Se unió luego a los surrealistas.
El Surrealismo es un movimiento de vanguardia artística creado en 1924 tras el Manifiesto Surrealista de André Breton, guía espiritual del mismo. Inicialmente literario, afectó a todas las artes y terminó siendo una actitud vital, un intento de transformar la sociedad burguesa.
El Surrealismo libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento, dando rienda suelta al artista para expresar sus sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas revolucionarias de la época, el Surrealismo supo dar cauce a vagos impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera postguerra. Es heredero del movimiento Dadá.
El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, siendo su período más floreciente el de 1924 a 1928.
Características
Los pintores surrealistas trataban de liberar la imaginación accediendo al subconsciente, lo más profundo del ser humano, que afloraba a través de los sueños. Como ideal estético se proponían lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era «hacer arte», sino explorar posibilidades.
Su tema principal era el mundo de los sueños. En técnicas usaban el automatismo, que consiste en dibujar o escribir sin aparente lógica, dejando a la mano libre; la desorientación reflexiva, por la que asociaban objetos extraños, surgidos libremente del subconsciente, en espacios lógicos y realistas, y el frottage, o dibujo obtenido mediante frotamiento de la superficie de los objetos. También empleaban otras técnicas dadás como el fotomontaje, el objeto encontrado, los materiales de deshecho, etc.
Representantes
Un precursor del Surrealismo es el pintor ruso Marc Chagall (1887-1985) que se instaló en 1910 en Paris, la capital artística del mundo, y formó parte de la llamada Escuela de París. Su estilo es tan personal e imaginativo que resulta difícil enclavarlo en ningún movimiento. Su pintura se caracteriza por los brillantes colores e imágenes deliciosamente infantiles y líricas sacadas del folklore judío de su tierra natal. En sus obras hay también elementos expresionistas y cubistas. Sus cuadros más conocidos son Autorretrato con siete dedos, en que se puede ver la influencia cubista, y La aldea y yo. Diseñó también de las vidrieras de la catedral de Metz.
El Surrealismo tiene dos modalidades:
Corriente objetiva o figurativa
El catalán Salvador Dalí (1904-1989) es el más extravagante de todo el grupo. En sus telas dio realidad a sus delirios y obsesiones, aplicando el método paranoico-crítico de su invención. Su estilo se caracteriza por un dibujo academicista y de gran exactitud, una luz muy clara y figuras alargadas y descompuestas siempre inquietantes. Su actitud megalómana y provocadora, así como su desmedido amor al dinero, escandalizó a los surrrealistas, que lo expulsaron del grupo en 1933. Otro motivo de alejamiento fue la simpatía que mostró al bando franquista durante la Guerra Civil española. En los años 40 se instaló en Estados Unidos y su pintura se volvió más conservadora. Sus obras más conocidas son La persistencia de la memoria, con sus perturbadores relojes blandos y al fondo los acantilados de Cadaqués, El gran masturbador y Premonición de la Guerra Civil, con monstruosas y terribles figuras. En sus obras posteriores como Leda atómica, en que pintó a su esposa y musa Gala, y las religiosas La Madonna de Port Lligat y El Cristo de San Juan de la Cruz mostró un sentido más clásico del espacio.
El belga René Magritte (1898-1967) componía lienzos llenos de imaginación. Pintaba con gran realismo objetos cotidianos y los combinaba de forma incongruente y absurda. Sus graciosas telas son una mezcla de humor y poesía, cargadas de enigmas y símbolos. Son muy conocidas Delirios de grandeza, con un cuerpo humano fragmentado, El tiempo detenido que muestra un tren saliendo de la chimenea de una habitación, y La voz de los vientos con unos pesados globos que flotan.
Max Ernst (1891-1976) fue una figura destacada del Dadaísmo y posteriormente pasó al Surrealismo. Fue el adaptador de técnicas como el collage, la calcomanía y el fotomontaje al estilo surrealista y el inventor de nuevas técnicas como el frotagge que proporciona calidades oníricas a sus obras más conocidas, una serie de paisajes fantásticos que sugieren extraños bosques pétreos, mezcla de pesadilla y poesía (Selvas, Napoleón en el desierto, Europa tras la lluvia).
El belga Paul Delvaux (1897-1994) estaba obsesionado por la figura femenina ideal, desnuda o vestida, a la que situaba en espacios irreales, como soñados, pero ejecutados con gran precisión (La ciudad dormida, La vía pública).
Corriente antiobjetiva o poética
Joan Miró (1893-1983) El pintor catalán es el máximo representante de esta corriente. Su pintura, elaborada con colores puros y tintas planas, estaba llena de fantasía, alegre, lúdica, lírica (el cielo, las estrellas, la música...). Su estilo se hizo cada vez más simple y personal, con formas biomórficas dibujadas de manera infantil. Entre sus obras destacan El carnaval de Arlequín, Mujer, pájaro y estrella, El oro del azul del cielo. Miró fue también escultor y ceramista (Edificio de la UNESCO en París, Noche y día). En Barcelona, su ciudad natal, tiene un museo, la Fundación Miró.
El francés Yves Tanguy (1900-1985) pintó misteriosos paisajes de sueño, como de fondos marinos o de otro planeta, llenos de objetos misteriosos y sensación de infinito como El tiempo amueblado.
Roberto Matta (1912) un pintor chileno, se unió mucho más tarde el movimiento surrealista. Emigrado a Estados Unidos en 1939, sus lienzos derrochan formas casi abstractas de brillantes colores y mucho movimiento (Escuchando la vida).
Casi todos los pintores surrealistas hicieron alguna escultura como el polifacético Ernst que realizó obras en yeso o bronce como Edipo rey (1934), Espárragos lunares (1935) y Miró que combinaba cuerda, alambres y chapas de metal (Pájaro lunar, 1968).
Los más importantes escultores fueron:
La pintura metafísica es el nombre de un movimiento artístico italiano, creado por los pintores De Chirico y Carrà, que se habían conocido en 1916. Querían representar un mundo más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento tuvo una vida fugaz, ya que se disolvió hacia 1920 pero su influencia se dejó sentir en los surrealistas.
Usando una técnica realista y perspectivas tradicionales, los metafísicos pintaron oníricas y visionarias ciudades y plazas italianas vacías, en las que combinaban objetos insólitos, como arquitecturas, estatuas clásicas y maniquíes. Buscaban lo oculto tras la apariencia de las cosas corrientes y simples.
Giorgio De Chirico (188-1978) trabajó en París desde 1911 como pintor de bodegones y enigmáticos y desoladores paisajes urbanos desiertos, con una especial iluminación y una técnica realista (La nostalgia del infinito). Más tarde introduce en sus paisajes inquietantes maniquíes, como en Héctor y Andrómaca. A partir de 1930 su estilo se hizo más suave y de menos interés. De Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Carlo Carrà (1881-1966) había sido uno de los pintores líderes del futurismo que se adhirió a la pintura metafísica al conocer a De Chirico. Su obra se inspiraba en los protorrenacentistas italianos como Giotto. Pintaba objetos sencillos y maniquíes, como en Musa metafísica.
Giorgio Morandi (n. 1890) pintó naturalezas muertas con objetos cotidianos - botellas, jarras, cajas etc.- de formas simples, con gran maestría y claridad.
El arte Abstracto es un movimiento artístico que nace con la creación de la nueva pintura por el ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino solamente formas y colores.
Características
Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El arte abstracto consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual; se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.
Representantes
La Abstracción pictórica tiene dos corrientes:
La Abstracción Lírica
Se considera al pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) como el creador de la abstracción. En 1909 cuando formaba parte del grupo expresionista alemán Der blaue Reiter (El Jinete Azul), había pintado sus Improvisaciones, para expresar por medio del color sus sentimientos y emociones, a la manera de composiciones musicales. Al ver una de ellas al revés, le impactó su belleza y surgió su primera acuarela abstracta en 1910 (Sin título).
Kandinsky expuso sus ideas en De lo espiritual en el arte, publicado en 1912, donde sostiene que todo arte auténtico es la expresión exterior de una «necesidad interior» mediante composiciones de colores y líneas. En sus telas buscaba lo esencial, sin preocuparse del tema.
Regresó a Rusia en 1914 y al estallar la Revolución de 1917 colaboró con el nuevo régimen en el intento de renovación del arte. Pero tras enfrentarse a los constructivistas, regresó a Alemania en 1921, donde fue profesor en la Bauhaus. En esta etapa publica su libro Punto y línea sobre el plano y la geometrización impregna su obra (Composición VIII). En 1933 al clausurar el nazismo la escuela, marchará a París donde vivió hasta su muerte.
La Abstracción Geométrica
El holandés Piet Mondrian (1872- 1944) tras pasar por el fauvismo, el cubismo y el futurismo, será el creador y líder del Neoplasticismo, corriente pictórica abstracta geométrica. En 1917 en colaboración con Theo Van Doesburg fundó la revista De Stijl (El Estilo) donde expuso su teosofía y sus planteamientos místicos.
Mondrian buscaba expresar lo Universal y lo Absoluto con una pintura racional, clara y sencilla, carente de emoción. Redujo todos los elementos formales a superficies planas delimitadas por líneas rectas, horizontales y verticales, utilizando sólo los colores primarios (rojo, amarillo y azul) complementados con negro y blanco (Composición en rojo, amarillo y azul) logrando cuadros llenos de armonía y reposo. Mondrian ha ejercido una gran influencia en el arte, el diseño industrial y la publicidad del siglo XX.
En Rusia, Mijail Larionov (1881-1964) y su esposa Natalia Goncharova (1883-1962) inventaron en 1909 el Rayonismo, con el que querían representar de forma abstracta las radiaciones de los cuerpos (Rayonismo rojo).
Kasimir Malevich (1878-1935) fue el creador en 1915 del Suprematismo que se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos (Cuadrado negro sobre fondo blanco, Cuadrado blanco sobre fondo blanco, y la serie de pinturas Sin título). Su estilo servirá para hacer carteles propagandísticos.
Tras la Revolución de 1917, surgió el Constructivismo, una amalgama de futurismo y cubismo con la influencia de Malevich. Los constructivistas rusos querían nuevas opciones artísticas y culturales adecuadas a la nueva sociedad socialista. La vanguardia constructivista se escindió en dos facciones:
El rumano Brancusi (1876-1957) aunque no estuvo vinculado a ningún movimiento artístico concreto, puede ser considerado el gran escultor abstracto del siglo XX. En 1904 se instaló en París, donde vivió hasta su muerte. Influenciado al principio por Rodin, en 1907 empezó a tallar directamente y trató de obtener formas elementales de universal belleza. Buscaba captar la esencia de las cosas, lo absoluto. Trabajó la piedra con gran maestría y sobre todo el mármol, amorosamente pulido, haciendo réplicas de sus obras en bronce.
La belleza de las superficies de Brancusi provoca el deseo de tocarlas. Entre sus obras destacan El beso, en que logra el equilibrio de los dos cuerpos y el bloque de piedra, Caríatide, Musa dormida, una característica cabeza ovoide cuyos rasgos están reducidos al mínimo, Busto de Mademoiselle Pogany, El pájaro en el espacio, que sugiere la forma de un pájaro y transmite pureza y velocidad, su célebre Maiastra- el pájaro solar del folklore rumano-en bronce, del que dijo “Yo no esculpo pájaros, sino su vuelo” y El pez en que trató de captar la rapidez y el brillo del animal.
El inglés Henri Moore (1898- 1986) influido por la escultura africana y la primitiva en sus inicios, tras pasar por el surrealismo en 1930, se interesó posteriormente por la abstracción. Su estilo está cargado de humanismo e inspirado en la naturaleza (rocas, guijarros, huesos, ramas...) tiene un estilo cargado de humanismo e inspirado en la naturaleza.. Sus temas preferidos son la madre con el hijo o figuras reclinadas. Sus esculturas, talladas directamente, están realizadas en piedra, madera y bronce, tienen huecos o espacios vacíos y son monumentales, generalmente ubicadas al aire libre. Destacan Figura reclinada (1929) y monumental, en función de su ubicación generalmente al aire libre y Rey y reina (1952-53) en bronce.
La escultora inglesa Bárbara Hepworth (1903-1975), vinculada a Moore, gustaba de estudiar las calidades de los materiales y los juegos de la luz en las superficies muy pulidas y en los huecos (Dos formas con una esfera, 1935)
En la abstracción no figurativa destaca Alexander Calder (1898-1976), un americano instalado en París. Tras pasar por el Surrealismo, en 1932 hizo unas esculturas móviles, los famosos mobiles, con discos metálicos sujetos por finos alambres y pintados de vivos colores; el mismo año construyó también grandes y pesadas esculturas de hierro, los stabiles.
Destacaron también los escultores constructivistas rusos, como Vladimir Tatlin (1885-1953), autor del Monumento a la Tercera Internacional, Alexander Rodchenko (1891-1956) y sus Construcciones suspendidas, y los hermanos Antón Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977) que experimentaron con los nuevos materiales plásticos. El primero gusta de las formas helicoidales de curvadas superficies, a veces con varillas de bronce (Columna), mientras Gabo prefiere las formas geométricas rectas realizadas en plásticos transparentes (Construcción lineal) o en bronce. Vinculado a ellos está el húngaro Laszlo Moholy-Nagy (1895-1946) que experimentaron con los nuevos materiales plásticos.
Texto: Mª Dolores Granja en Wikillerato
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